Por Igmar P / Café Cinéfilo
(Versión completa y revisada*)
El 2013 fue un gran año para el cine y para los premios del Séptimo Arte, entre ellos el Oscar, que es la codiciada presea que otorga la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos (AMPAS por sus siglas en inglés). Ya hacía tiempo que no ocurría un fenómeno como el que se dio en la entrega del Oscar a lo mejor del 2013, en el cual absolutamente todos los filmes que integraban la categoría de mejor película del año, en verdad se merecían esa estatuilla dorada.
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| Póster europeo de 'La Gran Belleza' |
Pero volvamos al 2013. Ahora ya sabemos que el galardón de la AMPAS por mejor película de ese año se lo llevó “10 Años de Esclavo” (“10 Years a Slave”), del director negro Steve McQueen, un desgarrador filme que muestra una historia verídica sobre los abusos que sufrió un afroamericano de Boston, quien fue raptado y obligado a trabajar como esclavo en una ciudad en un estado sureño, en donde todavía se violentaban los derechos de los negros en 1775.
Sin embargo, hay que mencionar que la estatuilla por mejor director de cine del 2013 no la ganó Steve McQueen por “10 Años de Esclavo”, sino que se la llevó de manera muy merecida Alfonso Cuarón por su asombroso trabajo en el extraordinario filme de ciencia ficción “Gravedad” (“Gravity”), haciendo Historia a su vez, por ser el primer el director mexicano en recibir el Oscar en esa categoría.
Aunque “10 Años de Esclavo” sí me gustó y me pareció en términos generales una muy buena película, hablando con completa sinceridad, no la considero como de lo mejor que vi del 2013 y es por eso que no la incluí en esta lista completa y revisada.
En su lugar añadí otros títulos que me van a hacer recordar el 2013 como un buen año para el Séptimo Arte, como 1993, o 1994, que fue el año de “Forrest Gump”, “Sueño de Fuga” y “Pulp Fiction”; o el 2006, el año en el que por fin Martin Scorsese ganó el Oscar que la AMPAS por tanto tiempo le debía (así como Spielberg en 1993), por el poderoso filme policiaco “The Departed”. En el 2006 fue también cuando realizadores mexicanos como Alejandro González Iñárritu (“Babel”) y Alfonso Cuarón (“Children of Men”), y sus respectivas películas figuraron en varias de las principales categorías.
Ahora en ésta mi lista completa, películas que finalmente sí ganaron el premio Oscar o que recibieron nominaciones a esa presea, como la italiana “La Gran Belleza” o el filme de Woody Allen “Jazmín Azul”, entre otras, se unen a “Gravedad” para sumar 6 títulos de los 10 que conforman mi lista (¡más de la mitad!), reiterando que el 2013 fue un gran año para el cine.
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| Póster en español de 'Blue Jasmine' |
En fin que empecemos el recorrido de esta lista que ahora comparto en orden descendente, empezando por las películas que considero como las mejores que vi en el 2013 y terminando con las que me fascinaron totalmente, así como con algunas que ya había dado a conocer en la vieja lista tentativa, pero que ahora para esta lista completa las tuve que cambiar de lugar.
10. ‘Kaze tachinu’ (‘Se Levanta el Viento’)
La vida de un soñador ingeniero aeronáutico japonés, sus innovadores diseños de aviones durante la Segunda Guerra Mundial y la mujer que fue su gran amor, son representadas visualmente en la bella, nostálgica y conmovedora película de animación “Se Levanta el Viento”, posiblemente el último filme del director japonés Hayao Miyazaki.
Digo posiblemente el último porque previo a su estreno, el realizador japonés Miyazaki, quien también dirigió “Howl’s Moving Castle”, “My Neighbor Totoro”, y el filme de animación ganador del Oscar, “El Viaje de Chihiro”, anunció públicamente que “Se Levanta el Viento” sería su última película. Tras haber visto esta hermosa cinta sinceramente espero que este realizador japonés cambie de parecer.
Quienes están familiarizados con el cine de Miyazaki sin duda se van a sorprender al descubrir que esta película no es de fantasía. Esta es una película en parte biográfica, en parte dramatizada, sobre el ingeniero aeronáutico Jiro Horikoshi, que en la vida real diseñó el avión de combate Zero, tan utilizado en la Segunda Guerra Mundial contra Estados Unidos y otros países que luchaban en contra de Alemania y Japón.
Sin embargo, “Se Levanta el Viento” sí posee algunos elementos fantásticos, pero es en la forma de los sueños de el joven Jiro, desde su infancia hasta su juventud; y es precisamente en su niñez cuando sueña que él es un piloto y que tiene su avión en el techo de su casa y que luego lo vuela ante vivas de los habitantes del pueblo, al tiempo que una amenaza de seres aterradores, se asoma desde cielo en monstruosas aeronaves.
En otros sueños, Jiro ve a su ídolo, el ingeniero aeronáutico Giovanni Caproni, y sus imaginativos aviones, que en las extrañas visiones nocturnas de Jiro poseen múltiples niveles de alas, así como muchas hélices y compartimentos para albergar a varios pasajeros y hasta salas de espera.
Y es precisamente Caproni, quien se ha de convertir en el mentor de Jiro por medio de sus sueños, conforme él va creciendo y convirtiéndose en el ingeniero en aeronáutica que aspira ser. En uno de los muchos diálogos bellos del filme, Jiro confiesa que él no está tan interesado en construir aviones de guerra, sino en “diseñar aviones hermosos”. Caproni le dice que la creatividad en los artistas dura 10 años, que en los ingenieros aeronáuticos dura lo mismo, por lo que Jiro debe “aprovechar sus 10 años al máximo”.
En otro de los momentos culminantes del filme, está el gran terremoto de Kanto, de 1923, y Miyazaki lo muestra de una forma espectacular de animación, con cierta atmósfera fantástica. En medio de un pasaje de destrucción, casas en llamas, un tren descarrilado, un espeluznante rugido, proveniente de la nada, se escucha amenazante en el aire y en los alrededores. Confieso que en toda esa escena yo estaba esperando que de pronto apareciera un gigantesco dragón. Nada de eso; no es necesario, nada más terrorífico que la ira y el poder destructivo de la Naturaleza cuando no requiere de monstruos.
Luego está el romance entre Jiro y Naoko Satomi, desde que se conocen, en un tren, luego en los estragos del terremoto, donde Jiro de manera valiente la ayuda a ella y a su hermana, hasta cuando Jiro y Naoko se enamoran años más tarde en un bello hotel de temporada. Es ahí donde vemos otra hermosa escena, en la que Jiro hace un avión de papel que luego lanza por los aires y éste vuela y juega con el viento hasta llegar a manos de Naoko.
“Se Levanta el Viento” es simplemente una película hermosa de animación japonesa (o anime), una animación que se resiste (gracias a su profundidad artística), a ser desbancada por la tan recurrida animación con gráficos generados por computadora (o CGI), que los estudios de cine actuales parecen preferir cada vez más.
Recuerdo que me ocasionó una gran felicidad cuando en la entrega del premio Oscar del 2003, “El Viaje de Chihiro” (“Spirited Away”, 2002), se llevó de manera muy merecida ese galardón.
Ahora con “Se Levanta el Viento”, Miyazaki repitió esa hazaña, al lograr colarse en una categoría predominante con películas de animación CGI, entre ellas “Despicable Me 2”, “The Croods” y “Frozen”, la ganadora (no sé porqué, cuando está mejor “Se Levanta el Viento”, y por mucho). Aunque en esta ocasión no ganó, cabe mencionar que Miyazaki sinceramente se merecía otro Oscar por este inolvidable filme.
Calificación: ***1/2
9. ‘Elysium’
En el año 2154 sólo dos clases sociales existen en el mundo: los muy ricos y los muy pobres. Los ricos habitan en una sofisticada estación espacial llamada Elysium, que cuenta con la tecnología más avanzada y todas las comodidades que cualquier ser humano puede soñar con tener. Elysium se encuentra en órbita en la Tierra.
Los pobres viven en la Tierra, la cual en ese tiempo se encuentra bastante contaminada además de que la población se ve aquejada por muchas enfermedades y escasos hospitales en donde atenderse.
Muchos humanos tratan de manera ilegal huir a la estación en astronaves que intrépidamente buscan violar las medidas de seguridad de la estación con tal de alcanzar una mejor vida. Sin embargo, aquellos que sí logran aterrizar sin ser derribados en pleno vuelo, son detenidos en la estación por policías robots y posteriormente enviados de vuelta a la Tierra.
Matt Damon interpreta a Max Da Acosta, un joven que nació en Elysium pero que circunstancias inesperadas lo llevaron a vivir a la Tierra, en donde creció y llevó una vida cercana al crimen como ladrón. Max sueña con algún día regresar a Elysium y llevar con él al amor de su niñez, Frey (Alice Braga) una joven enfermera, cuya hija padece una enfermedad por la cual puede morir si permanece en la Tierra, al menos que sea llevada a Elysium, en donde la medicina la puede curar por completo.
Neil Blomkamp, quien dirigió la excelente película “Sector 9” (“District 9”), acompaña a su antes mencionado filme con Elysium, otra excelente excursión visual en el género de la ciencia ficción, la cual contiene tantos efectos visuales sorprendentes y memorables como los de “Sector 9”, así como una historia igual de envolvente, de principio a fin.
Al ver a los terrícolas que lo arriesgan todo por irse como ilegales a Elysium, es imposible no percibir el paralelismo con la lucha de los inmigrantes que buscan cruzar la frontera de México con Estados Unidos en busca de una mejor vida. No obstante, Blomkamp nos hace enfocarnos en la historia del filme para que no nos quedemos nada más con el mensaje socio-político.
Matt Damon como siempre cumple con entretener como protagonista de la historia, pero sin duda la actuación que disfruté mucho fue la del sudafricano Sharlto Copley, quien fue el conmovedor héroe de “District 9”, ahora en “Elysium” es un implacable villano, bien malditón, que se queda en la mente del espectador mucho tiempo después de que rodaron los créditos finales.
Calificación: ***1/2
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| Póster en español de 'Jagten' |
8. ‘Jagten’ (‘La Caza’)
“La Caza” (“Jagten”), es un impactante filme que en momentos incluso raya en el suspenso, y más por el hecho de que presenta una situación que puede ocurrir en la vida real y que de un día a otro podría destruir la vida de cualquier ser humano honrado.
Lucas (Mads Mikkelsen) es un profesor de escuela de educación primaria que lucha por llevar una vida decente en un pueblo tranquilo y pequeño, al tiempo que recupera el afecto del hijo adolescente de su matrimonio fallido.
Todo parece marchar bien al inicio para Lucas; los demás profesores lo aprecian, los niños de la escuela lo ven más como un amigo que como un profesor, ya que juegan con él de manera constante e incluso Lucas parece encontrar un nuevo amor en una empleada de la escuela que trabaja en la cocina.
Sin embargo, un día una niña de la escuela se enfada con Lucas porque éste rechaza un regalo de ella que él no considera apropiado. Como capricho, la niña lo acusa falsamente de que él abusó de ella. Es así como de la noche a la mañana, la vida de Lucas se viene abajo en picada. La directora de la escuela y el resto del personal dan por cierta la acusación de la niña y no pasa mucho tiempo para que Lucas se convierta en el paria del pueblo.
Mientras Lucas lucha por demostrar su inocencia, los demás residentes, incluyendo sus amigos más cercanos rápidamente le dan la espalda y hasta empiezan a amenazarlo de muerte. Una conmovedora actuación de Mikkelsen, en particular una escena poderosamente dramática en la que Lucas es echado de un supermercado en donde el dueño se rehúsa a venderle víveres, y que luego él regresa al mercado a defenderse de ese atropello a su persona.
Una brillante dirección de Thomas Vinterberg, y un guión impecable escrito por Vinterberg y Tobias Lindholm, hacen de “Jagten” (“La Caza”) una de las más sobresalientes películas del 2013, que con facilidad se entiende porqué fue nominada al Oscar como mejor película en lenguaje extranjero (aunque perdió ante “La Gran Belleza”, leer más abajo).
Calificación: ***1/2
7. ‘Dallas Buyers Club’ (‘El Club de los Desahuciados’)
Basada en hechos verídicos, “El Club de los Desahuciados” (“Dallas Buyers Club”) cuenta la historia del electricista y amante de las apuestas y el rodeo, Ron Woodroof, un tejano que por llevar una vida cargada de excesos (en sexo y drogas) contrae el Síndrome de Inmunodeficiencia Adquirida, en Dallas en 1985.
Tras ser diagnosticado con SIDA y cuando le dan solo un mes de vida, Ron Woodroof (Matthew McConaughey) hace un viaje desesperado a la frontera y cruza a México, en donde es atendido en una clínica comunitaria que maneja un doctor estadounidense que ya no puede ejercer en Estados Unidos.
Es en esa clínica mexicana donde Woodroof descubre que hay varios sueros y suplementos vitamínicos y proteínicos que ayudan a reforzar el sistema inmunológico, los cuales pueden ser de gran ayuda para enfermos de SIDA como él, pero que al no ser aprobados por las autoridades de salud estadounidenses, no se pueden conseguir en EU.
Woodroof decide entonces crear un club para enfermos de SIDA, en donde los miembros al pagar una cuota mensual, pueden adquirir esos sueros y suplementos, los cuales Ron ingresa a EU a manera de contrabando. Woodroof llama a esa sociedad “el Club de los Compradores de Dallas”, el cual de inmediato se vuelve popular, ya que sus miembros muestran mejoría en su salud incluso más que en los hospitales.
Dirigida por Jean-Marc Vallée y escrita por Craig Borten, Melisa Wallack, “El Club de los Desahuciados” es más que una historia verídica que obligadamente tenía que ser llevada al cine, y que además contiene un par de magníficas e inolvidables actuaciones por parte de sus protagonistas Matthew McConaughey y Jared Leto.
McConaughey se ganó un Oscar muy merecido como actor estelar por su interpretación de Woodroof, ya que fue más allá de la caracterización (McConaughey perdió 21 kilos para este papel), y se transformó por completo en Woodroof, adoptó sus expresiones y sus arranques emocionales, a tal grado que su actuación atrapa por completo la atención del espectador.
McConaughey en su papel como Woodrooff físicamente se percibe como un hombre debilucho, flaco, que se podría creer, equivocadamente, que su fragilidad le impediría siquiera quebrar un plato. Sin embargo, su fuerte temperamento lo hace explotar en varias escenas y arremeter sin ningún reparo, de manera física contra otros hombres, sin importar incluso si están más fuertes o más altos que él. En una de tales escenas, Woodrooff somete a un conocido de él y le tuerce un brazo para obligarlo a que le pida perdón a su amigo homosexual, luego de haberlo ofendido de manera grosera.
Por su parte, Jared Leto, quien también se llevó la estatuilla dorada como actor de reparto, está más que excelente como Rayon, el travesti homosexual que ayuda a Woodroof a conseguir clientes para su nuevo club.
Varias de las escenas de Jared Leto (sino es que todas), como Rayon en “Dallas Buyers Club” son excelentes, pero una en particular es la que resuena más en el espectador, a mi ver, y es en la que Rayon acude a su padre, en un intento desesperado por ayudar económicamente a su amigo Ron.
Calificación: ***1/2
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| Póster de 'La Jaula de Oro' |
Cuatro jóvenes guatemaltecos luchan por escapar de la vida dura de su país para emigrar a Estados Unidos por medio del tren que desde Chiapas atraviesa todo México hasta llegar a la frontera con el país norteamericano, y en el trayecto ellos se enfrentan a los peligros, las adversidades y las injusticias que viven de manera cotidiana los inmigrantes, en “La Jaula de Oro”.
Este filme ganó premios Ariel de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas, por mejor película, mejor guión de cine y mejor guión original.
Dirigida por Diego Quemada-Diez, escrita por él y por Lucía Carreras y Gibrán Ramírez Portela, esta película mexicana fue filmada en locaciones en las Zonas 1 y 3 de Guatemala, así como en Chiapas, Veracruz, Morelos, Estado de México, Michoacán, Sonora, hasta Tijuana, Mexicali, y en Estados Unidos, en Long Beach, Los Angeles, Palo Alto y Santa Clara County, motivo por el cual el dramático recorrido que emprenden los jóvenes protagonistas de la película luce bastante real y convincente.
Mucho de la fuerza de “La Jaula de Oro” recae precisamente en los jóvenes actores Brandón López, Karen Noemí Martínez Pineda y Rodolfo Domínguez, quienes en todo momento parecen personas reales, como sacadas de un documental, motivo por el cual esta cinta se ganó el premio “Un Certain Regard” por elenco, en el Festival de Cannes, en Francia.
Raras veces una película me engancha de tal manera desde su inicio y hablo precisamente de las primeras escenas en las que vemos a Sara (Karen Noemí Martínez Pineda), en los baños de un humilde complejo habitacional en Guatemala, preparándose para el viaje.
Como si fuera una película de arte, esta sorprendente escena sienta las bases para lo que ha de ser el viaje visual que vamos a emprender de la mano de los protagonistas: Sara se está vistiendo como un muchacho; cubre sus senos con una venda para hacerse pasar por hombre, se corta el pelo al estilo masculino, se pone una gorra y por último se toma unas pastillas anticonceptivas. Es evidente que todo este ritual es necesario para su seguridad, ya que realizar el viaje como una jovencita, sin duda pondría en peligro su vida.
Después Sara se reúne con su novio Juan (Brandon López), y su mejor amigo Samuel (Carlos Chajon), para salir de Guatemala con el sueño de llegar a Estados Unidos. Al poco tiempo de cruzar la frontera del norte de Guatemala se les une Chauk (Rodolfo Domínguez), un joven tzotzil, que casi no habla español pero que pronto demuestra su utilidad para ese viaje tan lleno de adversidades, ya que de entrada se percibe que Chauk ha tenido más experiencia en el inhóspito terreno alejado de ciudades y pueblos.
“La Jaula de Oro” es evidentemente una película actuada, con guión y dirección, no obstante, en muchos momentos parece un documental, aún cuando no contiene ninguna de las entrevistas a cuadro propias precisamente de ese género. Y es por la forma en que se desarrolla su historia, con diálogos realistas, acciones verosímiles (nada de los resultados alentadores que usualmente estamos acostumbrados a ver en el cine, pura cruda realidad), y el desfile de actores poco conocidos que aparecen en pantalla.
En este sentido quiero hacer una pausa para notar la presencia del actor juarense Gilberto Barraza, quien hace una breve aparición como un “coyote”, y quien inadvertidamente atrapó mi atención luego de ver a tanto actor tan poco conocido.
Conforme más se acercan a Estados Unidos (a cumplir su sueño), el trío de jóvenes van dejando algo atrás, pero también van creciendo como humanos y aprendiendo la importancia de ayudarse los unos a los otros cuando se enfrenta una situación de peligro o de injusticia, como la discriminación a la que los inmigrantes se ven sometidos o los abusos (grupos de criminales aprovechan las paradas del tren para llevarse a la fuerza a algunos de ellos), entre otras adversidades.
No obstante, también cada paso cercano a Estados Unidos los hace también perder algo, es el otro mensaje que enseña “La Jaula de Oro”, una película que no pretende sermonear o llamar la atención mundial hacia esta problemática, sino simplemente mostrarnos una pasaje en la dura vida cotidiana de estos inmigrantes que sacrifican mucho por conseguir el “sueño americano”.
Calificación: ***1/2
5. ‘The Conjuring’ (‘El Conjuro’)
Una familia con cinco hijas se ve amenazada por extrañas y perturbadoras fuerzas sobrenaturales en la granja a la que recién se mudaron, por lo que piden la ayuda de un reconocido matrimonio de investigadores de lo paranormal, quienes pronto descubren que este podría ser el caso más difícil y mortalmente peligroso que les ha tocado investigar.
Dirigida por James Wan, director de “Saw” y “La Noche del Demonio” (“Insidious”), “El Conjuro” aporta un refrescante giro al género del terror, en lo que concierne a temas sobre brujería y exorcismo. El logro de Wan con “The Conjuring” es asustar de manera efectiva al espectador con una historia que de una forma u otra ya ha sido contada en diferentes cintas a través de los años, siendo la más notoria “The Exorcist”, de William Friedkin.
Es precisamente una escena de exorcismo de la cual no quisiera revelar mucho en “El Conjuro”, que sorprende por su innovación, y consigue buenos sustos por medio del suspenso y la anticipación. El director Wan, muy consciente de que cuando un espectador ve a un personaje poseído en la pantalla grande invariablemente va a pensar en “El Exorcista”, cambia la dinámica de manera sorpresiva, al mostrar que los personajes que van a realizar el exorcismo, primero, ¡cubren con una sábana la cabeza del poseso! ¡Qué tal esa acción para variar! Lo interesante de la escena, es que esa persona, aún tapada, logra asustar.
Pero no todo son ruidos extraños, la aparición de moretones inexplicables, muñecos macabros que hacen un tiradero en un apartamento o granjas con un pasado diabólico; también está presente en “The Conjuring” el elemento humano, con los problemas emocionales que tienen los investigadores Ed y Lorraine Warren (Patrick Wilson y Vera Farmiga respectivamente), ya que su matrimonio se ve amenazado por el agotamiento tanto físico como psicológico que les resulta cada vez que resuelven un caso de investigación paranormal.
En mi opinión “The Conjuring” funciona como una película de terror, como una película de drama gótico y hasta cuenta con el potencial para convertirse en una teleserie, toda vez que personajes como Ed y Lorraine Warren (basados en la vida real), resultan tan interesantes como los agentes del FBI Mulder y Scully de la teleserie “The X Files”, como para ver en futuras historias.
Calificación: ***1/2
4. ‘Star Trek Into Darkness’ (‘En La Oscuridad Viaje a las Estrellas’)
En el futuro distante, el capitán James T. Kirk y la tripulación de la astronave espacial Enterprise deberán detener a un villano que es una verdadera arma de destrucción masiva y que amenaza con sumergir a la Tierra en el caos con tal de llevar a cabo sus planes vengativos.
El director J.J. Abrams continúa con su “re-imaginación” de las historias de “Star Trek”, con esta secuela, la cual generó muchas expectativas un año antes de que fuera filmada, con el bulto de especulaciones en Internet sobre la identidad del personaje malvado.
Pero dejando de momento a un lado la revelación del villano, cabe mencionar que “Star Trek Into Darkness” es una verdadera delicia visual en cuanto a efectos visuales, decorados, sonido, efectos de sonido y música se refiere.
Desde la secuencia inicial, cuando como espectadores se nos muestra a un planeta diferente y asombrosamente bello, con extraterrestres de un aspecto distinto para el género, pasando luego a ver las grandes ciudades de la Tierra en el siglo 23; posteriormente el rostro de los nuevos klingons, entre otras sorpresas, Abrams nos da a entender con “Star Trek Into Darkness”, que él pretende entretener y maravillar al público cinéfilo como antes se hacía, como pasó durante la década de 1980, con películas de innovadores efectos visuales como “Star Wars”, “The Terminator”, la trilogía de “Indiana Jones”, o “Aliens”.
Pero no todo son astronaves impresionantes, explosiones y acción, no; como espectadores vemos cómo el joven e intrépido capitán Kirk (Chris Pine) crece como líder, a la par de que lucha consigo mismo por madurar y a tratar de llevar a cabo decisiones que pueden costar muchas vidas, percatándose en el proceso, de que capitanear una astronave no es una labor que se deba tomar con ligereza.
Mitad humano y mitad extraterrestre, el comandante Spock (Zachary Quinto) sigue avanzando en un camino muy diferente al del viejo Spock (Leonard Nimoy) que los fans de “Star Trek” conocimos y adoramos con la teleserie sesentera, antes del “reboot” del 2009.
El nuevo Spock (Quinto) es un vulcano que por las circunstancias del filme del 2009 se vio obligado a percatarse temprano de sus emociones, por lo que ahora lucha por incorporar tales sentimientos a su vida y, al mismo tiempo, dirigirse a sí mismo en el camino de la lógica como todo buen vulcano.
Y es precisamente por estas bases diferentes establecidas por el filme del 2009, que ahora “En la Oscuridad Viaje a las Estrellas” (2013) merece su lugar en esta lista, porque J.J. Abrams y compañía se la jugaron de manera audaz, al darle un ingenioso giro a la introducción del tan venerado villano que los “trekkies” conocimos como “Khan” (un inolvidable Ricardo Montalbán), en el episodio “Space Seed” de la teleserie de los 60’s y luego en la excelente cinta “Star Trek II: The Wrath of Khan” (1982), sin duda una de los mejores películas de la serie.
Se hace el repaso de Khan no porque Abrams sintiera la necesidad de volver a contar la historia que los fans vimos en la película de 1982, sino porque ahora resulta necesario ver cómo el nuevo rumbo de esta epopeya espacial, a partir del filme del 2009, puede afectar a este nuevo Khan (Benedict Cumberbatch) y a sus planes de venganza contra la humanidad, una raza considerada inferior y débil por él y los suyos, ya que ellos son súper-humanos genéticamente alterados.
Aunque no termina por igualar por completo el magistral logro obtenido por la clásica “Star Trek II”, en cuanto a argumento y calidad cinematográfica se refiere, “Star Trek Into Darkness” sí tiene lo suficiente para merecer un espacio de honor en la saga de películas basadas en la teleserie creada por Gene Roddenberry y el buen acierto de J.J. Abrams con su tratamiento a la saga de “Star Trek”, es que con esta entrega nos deja ansiosos por ver qué otras historias con Kirk, Spock y la astronave Enterprise se les ocurren.
Calificación: ***1/2
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| Póster en español de 'Star Trek Into Darkness' |
Justo cuando cualquier amante del cine piensa que ya vio lo mejor que tiene para ofrecer a la pantalla grande un prolífico realizador como lo es Woody Allen, tras haber visto de su filmografía joyas tales como “Manhattan”, “Annie Hall”, “Hannah y sus Hermanas”, “Crímenes y Pecados”, “Balas sobre Nueva York”, “Match Point” o “Medianoche en París” (por mencionar sólo algunos ejemplos inmediatos, ya que no quiero engordar este párrafo más de lo que ya está), nos encontramos en alguna sala de cine una película como “Jazmín Azul”, y al instante descubrimos que éste veterano y neurótico cineasta neoyorquino todavía tiene mucho para aportar al Séptimo Arte.
Cate Blanchett se ganó el Oscar como mejor actriz por su extraordinaria interpretación de Jasmine French, una socialité de Nueva York que, arruinada económicamente, se ve obligada a ir vivir con su hermana a San Francisco, lo que significa no solo un cambio de escenario para ella, sino un drástico giro en su estilo vida.
Se podría pensar que “Blue Jasmine” retoma la clásica historia del millonario que se vuelve pobre y se ve obligado a reflexionar sobre su vida, pero eso sería si se tratara de una típica película con un típico cineasta, lo cual no es el caso con un realizador como Woody Allen.
Allen parte de esa premisa para ofrecernos una historia con tanto humor como drama como sólo Allen sabe hacerlo. Excelente resulta la primera escena en la que se nos presenta a Jasmine French como una mujer que viaja en un avión y le platica sin parar a una mujer que la escucha atenta, sobre cómo conoció a su esposo y cómo era su vida en Nueva York, entre otros detalles y anécdotas.
Toda esa desbordante fuente de revelaciones por parte de Jasmine no para y continúa del avión, al área de arribos del aeropuerto, hasta llegar al lugar donde se recoge el equipaje, que es donde finalmente nos enteramos de un detalle, precisamente sobre la persona que todo este tiempo ha estado escuchando a Jasmine y el cual no quiero revelar aquí, porque no quiero arruinarles el chiste a quienes no han visto el filme. Basta con saber que es el clásico y siempre ingenioso humor sorprendente de Allen, al que él recurre para hacer la introducción de la protagonista de su historia.
Y es precisamente este interesante comienzo el que nos hace la revelación más importante sobre la peculiar personalidad de Jasmine, y que, conforme uno va descubriendo en el desarrollo de la película, jugó un papel importante para que su vida se descarrilara.
De ahí en adelante la historia avanza con escenas de los esfuerzos de Jasmine por adaptarse a esta nueva vida, con la hermana a la que siempre demeritó por no tener mayores ambiciones como ella, y que sin embargo ahora es la única persona que puede ofrecerle un techo para vivir.
Esa lucha de Jasmine se entremezcla con “flashbacks” o intercortes que nos muestran la vida de opulencia que antes tuvo Jasmine, un matrimonio con un exitoso hombre de negocios llamado Hal (Alec Baldwin), un hijo en una universidad prestigiosa y fiestas con personalidades importantes de la escena del arte de Nueva York.
Al mismo tiempo vemos a Jasmine ahora luchar por conseguir (y conservar) un empleo cuando antes ella no tenía la necesidad (o el interés) de trabajar. Y fantasear con sueños de convertirse en una decoradora de interiores y recuperar aquella vida que perdió.
Sin embargo, sus aires de grandeza y su arrogancia le siguen ocasionando problemas aun en esta nueva vida, la cual empieza a peligrar justo como la anterior, en tanto que Jasmine no se dé cuenta de que ella misma es su propio y más grande problema.
Apenas Woody Allen para concebir una magnífica comedia dramática sobre un personaje como el de Jasmine French, que en manos de otros realizadores podría parecer de lo más antipática que se haya visto en la pantalla, pero que a través de la lente de Allen resulta conmovedora.
Calificación: ****
2. ‘La Grande Bellezza’ (‘La Gran Belleza’)
Decir que “La Gran Belleza”, es sólo una película que trata sobre un irónico periodista y sus reflexiones sobre la vida en la parte paradisiaca de Roma, luego de la recepción de una amarga noticia, es sin duda minimizar su contenido y mérito. Desde luego que “La Grande Bellezza” es mucho más que eso.
“La Gran Belleza” es de esas películas que de vez en cuando son ineludibles para toda persona que dice ser amante del cine, porque nos hace recordar a los espectadores porqué el cine fue inventado.
Tomada a primera vista, la historia es bastante simple: Jep Gambardella (Toni Servillo) es un periodista que se nos muestra como una especie de narrador (a veces irónico, a veces nostálgico) en el centro de majestuosas y embriagantes fotografías vivientes de Roma.
Elegante y amante del buen vestir (en gran parte del filme lo vemos portando un saco casual, pantalón formal y camisas elegantes), Gambardella reflexiona sobre su pasado, de cuando él llegó a Roma y su motivo inicial para mudarse y establecerse allí: “No quería simplemente ser un socialité más; quería ser el rey de los socialité”, medita él, en una muy justificada voz narración.
Pero luego revela: “No solo quería ir a la fiestas de la alta sociedad; lo que quería era el poder para arruinarlas”.
Cuando Gambardella se entera de que la mujer que fue su primer amor y probablemente su amor más genuino, acaba de morir, la noticia lo lanza a él a un recorrido reflexivo sobre su juventud, en el cual él repasa lo qué ha sido de su vida.
Pero insisto, la historia de Gambardella es solo la excusa de la cual parte su director y co-guionista Paolo Sorrentino (“Ill Divo”), para llevarnos a los espectadores por un inolvidable y exquisito paseo por Roma.
Entretejido en la trama de “La Gran Belleza” se encuentra un manojo de personajes interesantes, incluyendo la editora y jefa de Gambardella, una mujer enana que de pronto es como la voz de su conciencia; también hay una venerada monja anciana que es algo así como la Madre Teresa, de quien Gambardella debe escribir un artículo para la revista en la que trabaja y que se alimenta sólo de raíces; está también una joven monja que acude con un prestigiado y reconocido especialista de botox, pero con una inesperada petición (no quiere el botox para su cara; no digo más), entre otras figuras.
Cabe notar la excelente cinematografía de Luca Bigazzi, en un filme en el que la fotografía parece ser el coprotagonista de la historia. Es imposible no apartar la vista de las imágenes de los lugares más bellos y más famosos de Roma, al punto que cuando Gambardella dice en la pantalla que su segundo libro que lleva años tratando de comenzar a escribir, no lo ha podido escribir debido a que “la ciudad lo distrae”, resulta fácil creerle y comprenderle.
Calificación: ****
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| Póster en español de 'Gravity' |
Una mujer y un hombre astronautas quedan a la deriva en la órbita del planeta Tierra, luego de que ocurre un inesperado y devastador accidente, mientras ellos realizaban reparaciones a un equipo y material de la NASA que se encuentra en el espacio.
Tal es la premisa de “Gravedad” (“Gravity”), dirigida por el mexicano Alfonso Cuarón y escrita por él mismo y por su hijo Jonás Cuarón, en verdad le hace honor a su título, porque es justamente eso (más específicamente, la falta DE gravedad en el espacio exterior), la raíz de los males que aquejan a sus protagonistas.
Absolutamente todo funciona muy bien en este filme: La ambientación, su excelente cinematografía, asombrosos y convincentes efectos visuales y de sonido, su música; todo aprovechado al máximo por una dirección magistral de un Alfonso Cuarón decidido a contar un historia visual, sobre la lucha de un ser humano contra las adversidades de la vida que se pueden presentar en cualquier momento, no solo en el espacio exterior, sino también en la Tierra.
Hay que recalcar el excelente trabajo actoral de Sandra Bullock en “Gravedad”, en la que considero la mejor actuación que he visto hasta este momento de su filmografía, muy superior incluso a la de “The Blind Side” (2009), que fue por el cual ella ganó el premio Oscar en el 2010.
Bullock está magnífica como Ryan Stone, una doctora convertida en astronauta, que al inicio del filme se percibe que ya está ansiosa por dejar el espacio exterior y volver a tierra firme lo antes posible, tan así que no comparte el mismo ánimo dicharachero y cómico de su compañero, un obviamente experimentado astronauta llamado Matt Kowalski (George Clooney).
Es por ello que Bullock logra transmitir de forma efectiva todo el remolino de emociones fuertes (pánico, desesperación, frustración, coraje, tristeza, entre otras) por las que Stone atraviesa cuando ella y Kowalski se ven lanzados a la deriva por la lluvia de escombros que toma por asalto su transbordador y que en cuestión de minutos lo convierte en chatarra espacial.
Aunque para nada pasa desapercibido Clooney como Kowalski, es obvio que todo el peso de “Gravity” recae en Bullock como Ryan Stone, quien nos lleva de la mano junto con ella, en su lucha por sobrevivir en el peor de los paisajes (sumido en tinieblas e increíblemente frío), y como espectadores nos mantenemos a la deriva junto con ella, alejándonos hacia el espacio infinito y acercándonos a la órbita terrestre una y otra vez, en esta inolvidable odisea espacial que nos lleva Alfonso Cuarón.
Calificación: ****
*Nota de la revisión: Cuando en un principio di a conocer esta lista, en los últimos días de un 2013 que ahora parece tan distante como las nubes, recalqué que en aquel momento se trataba de una lista tentativa, ya que me faltaban varias películas relevantes por ver. Por suerte ya pude ver el resto de los filmes que tenía pendientes y ahora sí puedo compartir una lista más completa que si bien (y siendo honestos), en realidad nunca podrá ser definitiva, ahora sí puedo considerarla y defenderla como una lista de lo que considero, sin lugar a dudas, como lo mejor que vi en el cine en el 2013.
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| Póster en español de 'Elysium' |
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